ВЯТСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ
КАФЕДРА КУЛЬТУРОЛОГИИ
Реферат по истории мировой культуры:
«Основные направления в искусстве модернизма»
Выполнил студент
заочного факультета
Горюнов В. В.
01-ЭПА-786
Киров
2002
П Л А Н:
I. Общее понятие модернизма …………………………………………………….3
II. Основные направления в искусстве модернизма ……………………………..5
1. Экспрессионизм ..……………………………………………………………5
2. Кубизм…………….………………………………………………………….9
3. Абстракционизм …...………………………………………………………11
4. Сюрреализм .………..………………………………………………………15
5. Поп-арт ..……………………………………………………………………20
6. Хеппенинг..…………………………………………………………………22
7. Гиперреализм ..……………………………………………………………..23
Заключение ………………………………………………………………………..25
Список использованной литературы ...………………………………………….26
I
. Общее понятие модернизма
Многообразие художественных и социальных форм модернизма, различный характер этих форм на разных ступенях исторического развития XX столетия, а также широкий спектр идеологических устремлений, лежащий в основе эстетических экспериментов – все это затруднило поиски общих определений модернизма. И все же к столь несхожим явлениям, как немецкий экспрессионизм, русский авангард, французский футуризм, испанский сюрреализм, английский имажинизм и прочее – современники применяли одно и то же название. Термин «модернизм» происходит от французского слова «modernizme» (от лат. modernus – новый, современный). Он имеет тот же корень, что и слово «мода», и нередко употребляется в значении «новое искусство», «современное искусство». Модернизм – собирательное обозначение всех новейших течений, направлений, школ и деятельности отдельных мастеров искусства XX в., порывающих с традицией, реализмом и считающих эксперимент основой творческого метода (фовизм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, поп-арт, кинетическое искусство, гиперреализм и др.). Писавшие о модернизме всегда отмечали особый интерес его представителей к созданию новых форм, демонстративно противопоставленных гармоническим формам классического искусства, а также акцент на субъективности модернистского миропонимания. Первые модернисты – это люди, жившие в конце XIX в., взращенные всеобщим кризисом европейской культуры. Многие из них отвергали методы социально-политического радикализма в изменении жизненного уклада, но все они были ярыми приверженцами духовной революции, которая, по их мнению, неизбежно рождалась из кризисного старого мира.
Духовная революция, как новое качество сознания, новое жизнепонимание, требовала для себя новой идейной платформы. Эта платформа была сформулирована на базе интуитивизма А. Берсона и Н. Лосского, ницшеанства, феноменологии Э. Гуссерля, психоанализа З. Фрейда и К. Юнга, экзистенциализма С. Кьеркегора, М. Хайдеггера, К. Ясперса, Н. Бердяева и др.
Работы этих авторов не только сцементировали идейную базу, платформу модернистских поисков в искусстве указанного периода, но и позволили самому художественному направлению действовать ретроспективно, захватывая предшествующие явления культуры (предмодерн, ростки которого обнаружились в творчестве Ф. М. Достоевского, Ш. Бодлера, Э. Бронтэ, Э. Сведенборга, Г. Ибсена и др.), и перспективно, оставляя поле для экспериментов в будущем (постмодерн). Модернизм, борясь за раскрепощение и обновление форм в искусстве, не мог обойтись без общих связей с историей культуры, признав, таким образом, принципы историзма внутри собственного направления.
В модернистском искусстве мы постоянно сталкиваемся с дальнейшим углублением качеств, модернизмом не порожденных, но унаследованных от романтизма эпохи Великой Французской революции и радикального сентиментализма И. Гердера и Г. Лессинга. Таковы домодернистские по своему происхождению акценты о месте личности, индивидуального сознания в составе целого, в жизни космоса. Однако, романтический индивидуализм XVIIIв. и индивидуализм модернистский – явления принципиально разные. Для романтизма личноcть либо была обладательницей всех духовных богатств вселенной, либо скорбела о недоступности, запретности абсолютных ценностей и общезначимых идеалов, вовсе не отрицая возможностей их существования. Модернисты же, признав неразрешимость своих противоречий, приходят к отрицанию духовно-нравственных «абсолютов». Вместе с тем, они стремятся возродить в искусстве мифотворческий метод, который, по их мнению, способен восстановить цельность и органичность человеческого бытия в рамках единой космологической системы художественными средствами.
II. Основные направления в искусстве модернизма
1. Экспрессионизм
В начале XX в. в Германии возникло движение против академизма, господствовавшего в живописи. Его инициаторами были студенты архитекторы Э. Кирхнер, Ф. Брейль, Э. Хеккель, К. Шмидт-Ротлуфф и др., объединившиеся в 1905 г. в Дрездене в группу «Мост». Никто из них не имел опыта в живописи, и их художественные эксперименты привели к рождению экспрессионизма как нового художественного направления. Это направление в искусстве и литературе, выразившее в период Первой Мировой войны и последовавших революционных потрясений ощущение кризиса буржуазного мира. Экспрессионизм – отклик на острейшие противоречия эпохи, плод общественного разочарования, выражение индивидуалистического протеста против тотального отчуждения. Название ему было дано не участниками, а критикой, охарактеризовавшей его по доминантному признаку – повышенной, взвинченной эмоциональности, экспрессивности. Термин (от франц. еxpression – выражение) впервые употреблен в 1911 г. издателем экспрессионистского журнала «Штурм» (Берлин) Г. Вальденом. Термин должен был определять сущность искусства, противоположного по своим задачам и методу уже исчерпавшим свои возможности направлениям – натурализму и импрессионизму. В экспрессионизме искусство как будто бы дальше отходит от изображения объективной действительности: главным провозглашалось выражение субъективных представлений автора. Кричащее «Я» художника вытесняет факт; «изображение» заменяется «выражением». В экспрессионизме господствует стремление художника выразить себя, свой внутренний мир с максимальной обнаженностью и остротой. Часто внутренний мир экспрессиониста предстает в его предстает в его произведениях как болезненно противоречивый, противостоящий объективной действительности, которую он изображает в резко деформированном виде. Это может сочетаться с искренним стремлением художника утвердить гуманистические ценности, осудить милитаризм, общественную несправедливость и т.д.
Произведения экспрессионистов во всех родах искусства отличаются нервной дисгармонией, неестественностью пропорций. В музыке (А. Шебнерг, А. Берг) экспрессионисты выходят за пределы лада, мелодии, ищут и создают новые звуковые системы (атональность). В экспрессионистских театрах (спектакли режиссеров К. Мартин, Л. Йеснера) актеры часто играли на наклонных сценических площадках; луч прожектора вырывал из темноты героя, обращавшегося прямо к зрительному залу. В литературных произведениях экспрессионистов отсутствовали живые характеры. Не случайно главными жанрами литературы были лирическая поэзия и публицистическая драма, превращавшаяся под пером экспрессионистов в страстный монолог автора. Характерно, что в изобразительных искусствах экспрессионизм наиболее полно проявил сущность своего метода в графике (сатирические рисунки Г. Гросса, офорты Фотелера): мир виделся в столкновении контрастов (черное-белое), в преувеличенной резкости изломанных линий, замещавших реальное многообразие деталей и красок. В живописи к экспрессионистам обычно причисляют Ван-Гога и, с наибольшим основанием, - Э. Кирхнера («Американские танцовщики»), О. Кокошку («Этюд пером», «Портрет Вальдена»), Мунка, Марка, Пехштейна, в картинах которых ясно ощутим графический скелет, контур воспринимается как главный элемент композиции, а цветовое пятно создает резкий эмоциональный акцент. Экспрессионизм стал первым художественным направлением в истории развивающегося киноискусства, принесшего небывалые возможности для создания фантастически деформированного образа мира. Экспрессионизм в кино выработал свои образные и технологические средства выразительности, высокую пластическую культуру, но основным результатом этого стали «фильмы ужасов», которые Эйзенштейн считал самоуничтожением здорового начала в киноискусстве.
Особое внимание необходимо обратить на творчество немецких художников-экспрессионистов. Немецкие живописцы до и в особенности после Первой Мировой войны с огромной силой выражали чувство отчаяния и несогласия, протеста против окружающей их действительности, доходившей до полного трагизма в крайне острых формах. Большое влияние на немецких художников оказало творчество норвежца Э. Мунка, швейцарца Ф. Ходлера. Немецкие экспрессионисты для наибольшего «выражения» стали использовать упрощенные, примитивные и подчеркнуто грубые формы. Они демонстрировали «инстинктивное преувеличение формы в чувственном восприятии, импульсивно переносимое на плоскость». Таково искусство художников групп «Мост» (1906) и «Синий всадник» (1911). Отталкиваясь от творчества Ван-Гога и сделав решительный шаг от «изображения к выражению», экспрессионисты утверждали, что искусство «есть абсолютная свобода, преодоление всех предрассудков и условностей, в первую очередь морали, натурализма и идеализации действительности, а значит, и искусственного разделения внешней и внутренней реальности: реальность имеет только ту форму, которую ей придает ощущающий субъект». Экспрессионисты видели человека задавленным бездушным механизмом капиталистического мира. В годы Первой Мировой войны главной темой был смелый антивоенный протест. В произведениях левого «активистского» крыла экспрессионизма с неоспоримой правдой личного свидетельства передана характерная черта времени – столкновение «конца» и «начала», неизбежности крушения старого мира, обновляющее дыхание революции. Но революция понималась как внезапное прозрение, духовное обновление толпы, пробужденной примером героической личности. Границы субъективного искусства оказывались в экспрессионизме широко раздвинутыми: они включали обобщенный образ восставшего человека и протестующей массы, идущих навстречу будущему. Современность часто изображалась как грандиозное шествие человечества к свету. Одним из безусловных художественных завоеваний левого экспрессионизма были его впечатляющие массовые сцены: пренебрегая созданием характера, экспрессионисты умели передать динамику охватившего сотни людей порыва, выразительность одновременного жеста тысяч рук. Искусство левого экспрессионизма по самой своей сути плакатно и имитационно: целью была не полнокровная, воплощенная в осязаемых образах картина действительности, а предельно острое выражение важной для автора истины, достигнутое путем любых преувеличений, концентрации тени и света.
Что касается лирики экспрессионистов, то в ней явно отражается протест, как естественная реакция человека на безумие и жестокость мира, который принимает глобальный масштаб. Целое мироощущение сводится к протесту, ибо во всем, что окружает, экспрессионисты не видели ни единого положительного момента: мир был для них средоточием зла, где нет места красоте и гармонии. Все прекрасное кажется фальшивым, удаленным от реальности. Поэтому экспрессионисты отвергают все классические каноны, не принимают красиво звучащие рифмы, утонченные сравнения. Они разрывают всякие смысловые связи, искажают отдельные впечатления, превращая их в нечто омерзительное, отталкивающее. Например, название стихотворения А. Лихтенштейна «Рассвет» подготавливает к восприятию картины, передающей определенное настроение. Первая строфа частично подтверждает подобное ожидание. Однако потом следует серия не связанных друг с другом картин, которые становятся все бессмысленнее.
Так как мир представал перед экспрессионистами лишенным гармонии, непонятным и бессмысленным, то они отказываются от его изображения в таком виде. За всей бессмысленностью мира они пытались увидеть истинный смысл вещей, всеохватывающие законы, то есть стремились к обобщению. Действительность рисуется в огромных картинах, за которыми исчезают естественные и конкретные черты. Экспрессионисты пытались показать не саму действительность, а лишь абстрактное представление о том, что составляет ее сущность.
Экспрессионизм в целом не вносит в искусство чего-либо прежде ему несвойственного: он лишь доводит до крайности, порой до «крика» ту экспрессию, которая присуща всякому произведению любого вида искусства. С этой точки зрения правомерно, когда мастеров искусства прошлого, для творчества которых характерен высокий эмоциональный тонус, обостренная экспрессия, субъективизм, называют предшественниками экспрессионизма (Ван-Гог).
Теоретик и художник экспрессионизма Ф. Марк выдвинул тезис, что суметь вновь стать чистыми перед лицом сегодняшнего смятения умов можно только с помощью полной изоляции собственной жизни и собственного дела. Этим экспрессионизм прокладывал дорогу беспредметничеству абстракционизма и идеям принципиального одиночества личности, лежащим в основе экзистенциализма.
2. Кубизм
Живопись модернистов вслед за литературой, движимая внутренней гармонией и избегающая эстетизма, строится «от обратного», совершая путь, противоположный общепринятым канонам художественного творчества: начиная с законченной работы, и постепенно достигает незавершенности, бесконечности, оставляя простор догадкам и воображению зрителя. Подобная эстетика наиболее полно отразилась в программных установках французских художников, прозванных с легкой шутки А. Матисса кубистами («Слишком много кубизма!» - воскликнул А. Матисс, увидев кубическое полотно Ж. Брака, - городской пейзаж, где дома были изображены в виде кубов).
Кубизм (от франц. «cube» – куб) – течение в европейском изобразительном искусстве начала XX в., главным образом французской живописи, отчасти скульптуры, в котором решались задачи выявления геометрической структуры видимых объемных форм. Отсюда название, - разложение на составляющие элементы и организации этих элементов в новую изобразительную форму с учетом специфики передачи пространственно-временных отношений на плоскости картины или в объеме скульптуры.
Появление кубизма было естественной реакцией на натурализм импрессионизма и закономерным этапом развития аналитических тенденций постимпрессионизма. Не случайно его провозвестником стал один из самых глубоких художников рубежа XIX и XX вв. П. Сезанн. Непосредственным толчком в становлении изобразительного метода кубизма послужила выставка картин Сезанна в «Осеннем салоне» в 1904 г. в Париже. То, что сделали с живописью импрессионисты, заменив форму и композицию игрой света, цвета и рефлексов, не удовлетворяло многих. Сезанн первый почувствовал, что этот путь ведет в тупик беспредметности и субъективизма. Именно поэтому он написал слова, которые сделали своим девизом молодые художники-кубисты: «Трактуйте натуру посредством цилиндра, шара, конуса…».
Формированию кубизма как определенного течения в искусстве способствовала и первая выставка фовистов в 1905 г. В 1907 г. молодой П. Пикассо написал свою знаменитую картину, одно из программных произведений кубизма «Авиньонские девицы», вызвавшую громкий скандал (критики назвали ее «вывеской для борделя»). Образно говоря, если раньше здание сооружалось с помощью лесов, то П. Пикассо и его единомышленники стали доказывать, что художник может оставить леса и убрать само здание так, что при этом в лесах сохранится вся архитектура. Другой отличительной чертой кубизма стало создание нового понятия красоты. «Нет ничего безнадежнее, чем бежать с красотой вровень или отставать от нее. Надо вырваться вперед и измотать ее, заставить подурнеть. Эта усталость и придает новой красоте прекрасное безумие головы Медузы-горгоны», - напишет в своих воспоминаниях о П. Пикассо Ж. Кокто. «Измучить» красоту, чтобы она не была совершенством, за которым можно лишь можно вечно поспевать, так никогда и не достигнув – таков был эстетический принцип кубистов. Новая красота, провозглашенная ими, лишена гармонии и ясности. Она является результатом связи несоединимого: высокого и низкого.
Н. Бердяев увидел в кубизме Пикассо ужас распада, смерти, «зимний космический ветер», сметающий старое искусство и бытие. И все-таки, «распластование» прежнего гармонического космоса, построенного впервые эллинами, в искусстве не было только отрицанием, только знаком конца. Как не простым бегством в прошлое подвергался и страстный интерес кубистов к архаике, «варварству», африканской маске, первобытному идолу. Вектор этого движения: сквозь будущее – в прошлое. Через кубизм в разное время прошли такие художники как Ф. Леже, Р. Лелоне, А. Дерен, А. Глез и др.
Достигнув своего формального предела, аналитическая стадия развития кубизма сменилась «синтетическим кубизмом» (1913-1914), в котором более целенаправленно велись поиски «новой эстетической целостности» найденных аналитическим путем формальных элементов. Наиболее известные живописцы этого течения Ж. Брак, Х. Грис.
3. Абстракционизм
Другое заметное направление модернистской живописи, архитектуры и т.д. – абстракционизм (абстрактивизм, абстрактное искусство – от лат. abstraktio - отвлечение). Абстрактивизм – тенденция художественного мышления к абстрагированию, отвлечению изобразительных образов от конкретных материальных объектов. Примечательно, что первая полностью абстрактная картина, насколько известно, появилась еще в XIX в. В 1883 г. французский художник А. Альфонс показал работу «Девушки под снегом», представляющую собой натянутый на подрамник лист чистой белой бумаги. Эту картину можно посчитать просто шуткой, увидев в ней вполне конкретное изображение белого снега, покрывающего фигуры девушек. Но суть явления состоит в том, что абстрактность – это прежде всего наиболее радикальная форма общей абстрагирующей тенденции истории искусства. Абстрагирование – мысленное отвлечение от несущественных, случайных с точки зрения художника, признаков воспринимаемого объекта с целью нахождения существенных, наиболее общих, универсальных идей – это один из основных неотъемлемых способов мышления вообще. В истории искусства абстрагирующая тенденция присутствует постоянно. В своем крайнем выражении она приводит к геометризации, превращая в декоративном искусстве изображение в орнамент, а в станковом – в абстрактную картину. Минимальное проявление абстрактного мышления ведет, напротив, к предельной иллюзорности, натурализму. Вероятно, именно это имел в виду П. Пикассо, когда говорил, что «абстрактного искусства не существует».
«Абстрактивизм реалистичен» - утверждал в 1917 г. А. Лот, подразумевая, что именно абстрактивистские тенденции в искусстве более адекватно, во всяком случае гораздо правдивее, чем солонная натуралистическая живопись, отражают тенденции отчуждения художника начала XX столетия от ужасающей его действительности. Чем более ужасным становился мир, тем более абстрактным становилось искусство. Реализм – это не обязательно конкретность, а абстрактность совсем не означает отказ от реалистичности, поскольку реализм и идеализм – иная пара категорий, чем абстрактное и конкретное. В истории искусства не раз бывало, что именно натурализм оказывался идеалистичным, а отвлеченное от конкретного художественное мышление – более реалистическим.
Нельзя не заметить, что художники, не увлеченные развитием формальных идей, обычно переходят рубеж, за которым художественное творчество как выражение образа мира перестает быть самим собой и превращается в чистую эстетику, отвлеченную игру форм и конструкций.
Абстрактивизм - более правильное название, чем абстракционизм, - как конкретное художественное направление, в котором абстракция стала основным принципом формообразования, появился в самом начале XX в., хотя его предпосылки сложились еще в искусстве раннего модерна. В 1892-1893 гг. А. Ван де Велде уже создавал свои абстрактные рисунки и акварели.
В абстрактивизме XX в. обычно выделяют два основных течения: абстрактный экспрессионизм, так называемая линия В. Кандинского, и конструктивный геометризм – «линия» Т. Ван Дусбурга, П. Мондриана, К. Малевича.
В. Кандинский считал, что новый абстрактный язык живописи поможет прорваться сквозь внешнее к внутреннему, сквозь тело – к душе, сквозь материальную оболочку вещей – к божественному «звону» духовных сущностей, заполняющих Вселенную. Художник, по В. Кандинскому, «слуга высших целей», который с помощью кисти и карандаша создает «вибрацию» души, приобщая ее к «Духу музыки», Великому Космосу и грядущему Духовному царству. Именно об этом мечтал сам В. Кандинский, именно это он хотел выразить в своих произведениях. В вихревом космическом столпотворении цветовых пятен, линий, геометрических фигур и абстракций художник создавал образ незнакомого мира, где все смешалось со всем и, теряя привычную плоть, легко и звонко звучало видимой глазу музыкой. Абстракционизм Кандинского и в самом деле напоминает музыку. Его живопись празднична и апокалиптична одновременно. Распадается, разлетается, превращается в осколки, в кусочки, пятна и блики грубый материальный мир, мир вчерашнего дня, которым задавлена человеческая душа с ее «вибрациями». Абстрактный язык живописи В. Кандинского – язык свободы, гибкий, «открытый», не зависимый ни от сюжета, ни от человеческого образа. Другими словами, в живописи В. Кандинского заключено «восхождение» от частного к общему, последовательное отвлечение от конкретности изображаемых форм с целью наибольшей «экспрессии».
Другой ведущий представитель абстракционизма – К. Малевич, реформируя язык живописи, заявлял о своем мессианстве, о намерении создать новый образ мира и, более того, - новый мир. Знаменитый «Черный квадрат на белом фоне» был представлен Малевичем в 1913 г. на выставке как «планетарный знак». Ничто, которое вмещает в себя Все, в том числе и потенции будущего. В подобных художественных претензиях еще оживал дух романтической утопии. Образ мира, сжатый до супрематичной фигуры, может легко стать планетарным знаком высшей гармонии. Данное течение предполагает конкретизацию общих, абстрактных идей в геометрических формах. Это, если можно так выразиться, движение «сверху вниз».
Абстрактивизм противоречив. С одной стороны, он возник закономерно в результате усилившихся в искусстве последней трети XIX в. французских импрессионистов и постимпрессионистов тенденций анализа художественной формы, с другой – отражал кризис творческого мышления, выражавшийся в последовательной подмене художественно-образного выражения простой гармонизацией форм, цветовых пятен, линий. А эстетическая конструкция, отвлеченная от конкретно-предметного содержания, какой бы совершенной с формальной точки зрения она ни была, в изобразительном искусстве способна вызывать лишь простые эмоциональные реакции, подобно сигналам светофора. Это, в частности, объясняет, почему абстрактная картина, как правило, остается зашифрованной для зрителя, и ее воздействие сводится лишь к эмоциональному переживанию отвлеченных, произвольных ассоциаций.
В архитектуре, декоративном искусстве восприятие художественного образа происходит в контексте широких композиционных связей с пространственной и историко-культурной средой, и поэтому оно всегда конкретно, даже если выражено в полностью абстрактных формах. Например, содержание геометрического орнамента всегда понятно в его отношении к поверхности, на которой он расположен. Геометрические объемы зданий обусловлены их функцией и конструкцией в архитектурной композиции. Но в произведениях станковой живописи, графики, скульптуры композиция изолирована от окружающей среды и имеет автономный художественный смысл.
Все это говорит, что абстрактное искусство по своей сути является не художественным творчеством, а развитием идей, носящих, безусловно, творческий, но лишь эстетический смысл. Поэтому абстрактивизм не имеет стиля, он несет в себе лишь отдельные формальные признаки.
Абстракционизм обогатил экспрессию палитры и ритмико-динамическую выразительность живописи, предвосхитил важные принципы пластико-пространственных решений в современной архитектуре, оказал влияние на развитие дизайна, индустриального, прикладного и декоративного искусства. Однако, при всем том абстракционизм потерпел крах в главном – в своих претензиях дать философско-художественную концепцию современной эпохи. Прокламируемая абстракционизмом личность, отказавшаяся не только от познания и осмысления реального мира, но и от всякой связи с ним, эмигрирующая в мир своей опустошенной души, оказалась несостоятельной, неспособной решить проблемы века.
4. Сюрреализм
Сюрреализм – одно из самых значительных и долговечных художественных направлений европейского авангардного искусства XX в. Впервые понятие «сюрреализм» ввел французский поэт Г. Аполлинер, обозначив жанр своей пьесы – «сюрреалистическая драма». В 20-30-х гг. новое художественное направление его основатели-поэты А. Бретон и Ф. Супо стали называть «сюрреализм» («сверхреализм»). Сюрреализм зародился во Франции, пережил несколько кризисов, пережил Вторую мировую войну и постепенно, сливаясь с массовой культурой, пересекаясь с пост- и трансавангордом, вошел в качестве составной части в постмодернизм.
Теоретики сюрреализма связывали с ним надежды на построение новой художественной реальности, более реальной, чем окружающий мир. Сюрреализм, утверждали они, «снимает покровы» с мира, творит «истинную» неправдоподобную действительность-сюрреальность. Отсюда – абсолютизация чудесного и превращение его в ведущую категорию эстетического отношения человека к миру. Лидер французского сюрреализма Андре Бретон в «Манифесте сюрреализма» (1924) писал: «Сюрреализм есть чистый физический автоматизм, посредством которого мы стремимся выразить в слове или в живописи истинную функцию мысли. Эта мысль продиктована полным отсутствием всяческого контроля со стороны рассудка и находится за пределами всех эстетических и моральных норм». Реальность сверхреального, подлинность таинственного, невероятность обыденного становятся главной темой художника.
Сюрреалисты считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя во время сна, гипноза, болезненного бреда, внезапных озарений, автоматических действий (случайное блуждание карандаша по бумаге и др.).
Сюрреалистическая программа в изобразительном искусстве осуществлялась, в основном, по двум направлениям. Одни художники вводили бессознательное начало в процесс создания живописных полотен, в которых преобладали свободно текущие образы, произвольные формы, переходящие в абстракцию (Н. Эрнст, А. Масон, Дж. Миро). Другое направление, которое возглавлял С. Дали, основывалось на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа, возникающего в подсознании. Его картины отличаются тщательной манерой письма, точной передачей светотени, перспективы, что характерно для академической живописи. Зритель, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивается в лабиринт обманов и неразрешимых загадок: твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, несовместимые объекты скручиваются и выворачиваются, массивные объемы приобретают невесомость, и все это создает образ невозможный в реальности. Общие особенности искусства сюрреализма: фантастика абсурда, алогизм, парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость образов.
Главной целью сюрреалистов было через бессознательное подняться над ограниченностью как материального, так и идеального мира, продолжить бунтарство против выхолощенных духовных ценностей буржуазной цивилизации. Художники этого направления хотели создать на своих полотнах реальность, не отражающую действительность, подсказанную подсознанием, но на практике это порой выливалось в создание патологических отталкивающих образов и эклектику. Отдельные интересные находки сюрреалистов использовались в коммерческих областях декоративного искусства, например, оптические иллюзии, позволяющие видеть на одной картине два различных изображения или сюжета в зависимости от направления взгляда. В то же время художники обратились к имитации черт первобытного искусства, творчества детей и душевнобольных. При всей своей программной заданности произведения сюрреалистов вызывают самые сложные ассоциации. Они одновременно могут отождествляться в нашем восприятии как со злом, так и с добром. Устрашающие видения и идилические грезы, буйство и смирение, отчаяние и вера – эти чувства в различных вариантах проступают в произведениях сюрреалистов, активно воздействуя на зрителя. При всей абсурдности и даже определенной забавности некоторых произведений сюрреализма они способны стимулировать сознание, пробуждать ассоциативное воображение.
Сюрреализм выступил как одно из направлений в живописи, литературе и кино.
Применительно к живописи Бретон выделял в сюрреализме следующие базовые приемы: 1) автоматизм, 2) использование так называемых обманок и 3) сновидческие образы.
В 1924 г. Андре Масон стал делать автоматические рисунки. Используя ручки и индийскую тушь, он позволял своей руке быстро странствовать по листу бумаги, и возникающие при этом случайные линии и пятна вливались в образы, которые он либо развивал дальше, либо оставлял, как есть. В лучших из этих рисунков наблюдается удивительная связность и текстуальное единство. Для художника важны были метафоры образов, то, как один из них превращается в другой. Так голова лошади или рыбы могла трансформироваться в некий сексуальный образ.
Говоря о живописи ранних сюрреалистов, Бретон употреблял термин «химия интеллекта», он говорил о таинственной галлюцинаторной власти образа, о том, что только чудесное прекрасно, что работа иллюзий является моделью внутреннего мира, и что все переходит во все.
Сюрреализм является явным и непосредственным детищем психоанализа, отсюда его обращение к сновидению, к бессознательному и к технике свободных ассоциаций.
Художественная концепция сюрреализма: границы личности и мира расплылись. Нет ничего определенного, все искажается, смещается, расплывается. Мир – беспорядочная масса явлений, личность не знает, где начинается ее «Я» и где оно заканчивается, где мир, и что он такое.
Принцип сюрреалистической поэтики – сверхметафоричность. Метафоричность абсолютизируется сюрреализмом и доводится до неожиданного сопряжения несопрягаемых предметов, до капризной произвольности сопоставлений. Именно эта поэтика делает мир расплывчато зыбким: предмет, сравниваясь со многими явлениями, становится похожим на все и потому ни на что не похожим. Это и создает образ таинственной реальности.
Интуитивистская сверхреальная связь с миром является программой не только художника, но и воспринимающей искусство публики. Интуитивизм – основа творческого метода сюрреализма, утверждающего безграничную свободу воображения художника, неконтролируемость творческого процесса какими-либо логическими началами. Личность в творчестве движима сексуальными влечениями и воспринимает увиденное сквозь отверстие в тазобедренной кости (так изображен пейзаж на одной из картин С. Дали).
Литературные и поэтические опыты сюрреализма также отличает автоматизм сцепления свободных ассоциаций . Сюрреалистическая поэзия проигрывает отсутствием юмора, самоиронии, напыщенной серьезностью, что, впрочем, не было характерно для сюрреалистического кинематографа.
В 1926 и 1928 гг. испанские сюрреалисты – будущий великий художник Сальвадор Дали и будущий великий режиссер Луис Бунюэль – создали два знаменитых скандальных киношедевра: «Андалузская собака» и «Золотой век». Помимо того, что в этих фильмах представлена обычная для сюрреализма техника свободных ассоциаций, образов бессознательного и т.д., эти фильмы задали особую традицию сюрреалистического киноязыка. Вот знаменитые кадры, предварябщие классические картины Дали: режиссер, разрезающий бритвой глаз героини; рояль, к которому привязана туша быка и два монаха; корова в шикарной спальне; женская волосатая подмышка на губах у мужчины и пр.
В конце 20-х гг. сюрреализм претерпел кризис. Его лидеры Бретон и Арагон пришли к амбициозной идее, что сюрреализм – это тотальное революционное движение, связанное с идеями коммунизма и исторического материализма. По-видимому, из этого кризиса сюрреализм вышел именно благодаря тому, что перестал осмыслять себя как чисто идеологическая система и стал уделом таких крупнейших профессионалов, как бельгийский художник Рене Магритт и Сальвадор Дали. Об автоматизме в живописи позднего сюрреализма уже не может идти речь, их произведения имеют четко выраженную композицию. Основная художественная проблема, которую решают поздние сюрреалисты, это проблема соотношения иллюзии и реальности и поиски границ между ними. Таков сюжет большинства картин Магритта. Так, например, на картине «Запрещенное изображение» (1937) запечатлен человек, который стоит спиной к зрителю и смотрится в зеркало, но отражение в зеркале при этом показывает его затылок и спину, то есть то, что он видеть не может и что доступно лишь тому, кто наблюдает за ним.
Изощренная техника соединения несоединимого и появившаяся в позднем сюрреализме самоирония и юмор позволили ему органично влиться в поэтику современного постмодернизма.
5. Поп-арт
Другим направлением в искусстве Западной Европы и США 1950-1960-х годов являлся поп-арт, для которого характерны использование и переработка образов массовой (популярной) культуры. Термин «поп-арт» (популярное искусство) был введен критиком Л. Элоуэм в 1965 г. Как художественное направление поп-арт закрепляет давно наметившуюся в искусстве оппозицию: массовое – народное. Поп-арт ознаменовал отказ от абстракционизма, как беспредметного искусства, и переход к новым авангардистским направлениям. Эстетика поп-арта была была направлена на эстетизацию внешнего мира, утверждение культа вещи, удовлетворение и реализацию «тоски по предметности». Мотивы массовой культуры эксплуатируются поп-артом по разному. В картину вводятся посредством коллажа или фотоснимков реальные объекты, как правило, в неожиданных или совершенно абсурдных сочетаниях (Р. Раунинберг, Э. Уорхол, Р. Хэмилтон). Живопись может имитировать композиционные приемы и технику рекламных щитов, картинка комиксов может быть увеличена до размеров большого полотна. Скульптура может сочетаться с муляжами. Например художник К. Ольденбург создавал подобия витринных муляжей пищевых продуктов огромных размеров из необычных материалов.
Между скульптурой и живописью часто нет границ. Художественное произведение поп-арта нередко не только имеет три измерения, но и заполняет собой целиком выставочное помещение. В силу таких преобразований исходный образ объекта массовой культуры преобразуется и воспринимается совсем иначе, чем в реальном бытовом окружении. Основной категорией поп-арта является не художественный образ, а его «обозначение», избавляющее автора от рукотворного процесса его создания, изображения чего-либо. Этот процесс был введен с целью расширения понятия искусства и включения в него нехудожественной деятельности, выхода искусства в область массовой культуры.
Теоретики поп-арта утверждают, что каждый предмет в определенном контексте превращается в произведение искусства, теряет свое первоначальное значение и приобретает художественные качества. Отсюда задача художника не создание художественного предмета, а придание обыденному предмету художественных качеств путем организации определенного контекста его восприятия. Эстетизация вещного мира становится принципом поп-арта. Художники стремятся добиться броскости, наглядности, доходчивости своих творений, используя для этого поэтику этикетки и рекламы. Поп-арт – это композиция бытовых предметов, иногда в сочетании с муляжем и скульптурой. Смятые автомобили, композиции с включением выцветших фотографий, обрывков газет и афиш, наклеенных на ящики, выкрашенный белой масляной краской рваный ботинок – таковы художественные экспонаты поп-арта.
У разных художников поп-арта есть своя «жанровая» специализация. Так, Д. Чемберлен имеет пристрастие к манипулированию смятыми автомобилями. В творческом почерке К. Ольденбурга характерная деталь – коллаж, Дж. Дайна – оформление бытовых интерьеров. Раушенберг создал «комбинированную живопись», которую озвучивает звукозаписывающей аппаратурой.
«Отец поп-арта» американский художник Э. Уорхол, в эстетический принцип своего творчества превратил такие специфические особенности рекламы, как нарочитая крикливость, направленная на притяжение зрительского внимания, банальность, примитивизм, ориентация на среднестатическую личность. В поп-арте вещь эстетизируется как предмет «массового потребления» в «массовом обществе». Возникает эстетизированный фетишизм потребления, культ вещей. Утверждая человека-приобретателя, поп-арт поэтизирует вещь, уже бывшую в употреблении, отслужившую, устаревшую, но все еще хранящую на себе печать использования человеком (композиции из подержанных газовых плит, из шин, трельяжей). Таким образом, эстетика поп-арта – это всегда эстетика утилитаризма, иногда нигилистическая, через отрицание утверждающая фетиш вещи.
Поп-арт как художественное направление имеет ряд разновидностей (течений): оп-арт (художественно организованные оптические эффекты, геометризованные комбинации линий и пятен), эл-арт (движущиеся с помощью электромоторов предметы и конструкции), окр-арт (композиции, окружающие зрителя) и т.д.
6. Хеппенинг
Хеппенинг возник в конце 50-х годов, а в конце 60-х являлся одним из самых популярных видов современной художественной культуры на Западе. Как и поп-арт, хеппенинг зародился в США и вскоре перекочевал в Европу и Азию. Само слово «хеппенинг» означает «происходящее», «случающееся», непреднамеренное происшествие или событие. На самом же деле хеппенинг – представление, заранее спланированное и подчиненное либретто и режиссерскому замыслу.
Автором первых постановок хеппенинга «Двор», творения» (1958-1959) был А. Кепроу. Постановки хеппенинга предполагают загадочные, порой алогичные действия исполнителей и характеризуются обилием реквизита из вещей, бывших в употреблении и даже взятых на свалке. Участники хеппенинга надевают яркие и нарочито нелепые костюмы, подчеркивающие неодушевленность исполнителей и их похожесть на ящики, ведра и т.п.
В хеппенинге используется световая живопись: свет то и дело меняет цвет и силу, направляется непосредственно на актера или просвечивает сквозь ширмы из разного материала. Часто он сопровождается звуковыми эффектами (звучание человеческого голоса, музыки, а также звяканье, треск, скрежет и т.д.). Звук иногда бывает очень сильным, неожиданным и намеренно вызывает шоковое воздействие. В представление включаются кадры кино и демонстрация диапозитивов. Порой используются и сильно пахнущие вещества.
Хеппенинг устраивается в разных местах: на стоянках автомобилей, во дворах, окруженных большими домами, в подвалах, на чердаках. Пространство хеппенинга, согласно принципам этого действа, не должно ограничивать воображение художника и зрителя. Художник-оформитель часто сознательно создает внутри выбранного для действия помещения ячейки, отделения, ломая представление о реальном пространстве.
Хеппенинг связан с художественными поисками начала XX в., с попытками некоторых живописцев и скульпторов перенести акцент с картины или скульптуры на творческий акт их написания или ваяния. Другими словами, хеппенинг берет свои истоки также и в «живописи действия»: в «каплеразбрызгивании» Дж. Поллока, в «хлещущих» ударах кистью Де Кунинга, в костюмированных живописных действах Ж. Матье. «Живопись действия» обладала выразительной пантомимической формой. Художник при этом превращался в актера, изображающего процесс творчества. Зрители сосредоточиваются не столько на результате, сколько на процессе написания картины. Именно от этих поисков оттолкнулся в своем становлении хеппенинг, в котором постепенно стали появляться разновидности (течения): «случайности», «занятия», «театр окружающей обстановки».
Концепцию мира и личности, выдвигаемую хеппенингом, можно сформулировать следующим образом: мир – цепь случайных событий, личность должна быть анархически свободна и субъективно ощущать свою полную свободу действия, но на деле должна быть подчинена единому действию, и поэтому идеальной формой управления ее поведением должно стать манипулирование личностью.
7. Гиперреализм
Гиперреализм – направление в живописи и скульптуре, возникшее в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве 70-х годов XX в. Гиперреализм оперирует банальными сюжетами, его образы подчеркнуто «объективны», часто основываются на сильно увеличенной фотографии. Благодаря этому направлению художники возвращаются к привычным формам и средствам изобразительного искусства, в частности, к живописному полотну, отвергнутому поп-артом.
Гиперреалисты главными темами своих картин делают мертвую «вторую» природу, рукотворную натуру городской среды: бензоколонки, автомобили, витрины, жилые дома, телефонные будки и т.д. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств. Городская среда в гиперреалистических произведениях изображается как нечто отчужденное от человека.
Теоретическая основа гиперреализма – философско- эстетические идеи франкфуртской школы, утверждающие необходимость ухода от идеологизированных форм образного мышления.
Гиперреализм – насильственная и искусственная деструкция образа реальности. В становлении и развитии его большую роль сыграла гамбургская группа «Зебра». В своих картинах художники этой группы совмещают детальное и буквальное изображение реальных предметов (при этом за образец обычно берется фотография) с элементами фантастики, копируют фотографии, часто даже используя масштабную сетку, стремятся избежать собственного видения мира в творческий процесс.
Главной темой гиперреалистической живописи стала обезличенная механизированная жизнь современного города.
Другое название гиперреализма – фотореализм. Фотореализм поставил своей задачей обострить наше восприятие обыденности, символизировать современную среду, отразить наше время в формах «технических искусств», широко распространившихся именно в нашу эпоху технического прогресса. Фиксируя и обнажая современность, скрывая авторские эмоции, фотореализм в своих программных работах оказался на границе изобразительного искусства и чуть ее не переступил, потому что стремился соперничать с самой жизнью.
Заключение
В обществе действуют многие силы, и красота, искусство – лишь одна из них. Красота способна «спасать мир», но тогда, когда общественно-разрушительные действия других сил не уничтожают на корню все то, что созидает искусство.
Высшая цель искусства – всестороннее развитие социально значимой личности, формирование ее потребностей и ценностных ориентаций. Поэтому искусство способно одухотворить научный и технический прогресс, осветить его идеями гуманизма. Развитие человека, его непрерывное совершенствование идут через общество, во имя людей, а развитие общества – через человека, во имя личности. В этой диалектике человека и человечества – смысл и суть истории. Способствовать историческому прогрессу – высшее гуманное назначение искусства.
Список использованной литературы:
1. Борев Ю. Б. Эстетика. – 4-е изд., доп. – М., 1988.
2. Власов В. Г. Стили в искусстве. – М., 2000.
3. Ильина Т. В. История искусств. Западно-европейское искусство. – М., 1993.
4. Модернизм. Анализ и критика основных направлений. – М., 1974.
5. Руднев В. П. Словарь культуры XX века. – М., 1997.
6. Сокольникова Н. М. Изобразительное искусство. – Обнинск, 1996.
7. Турчинин В. С. В лабиринтах авангарда. – М., 1993.
|
